Piero Lissoni, pur und einfach

Im Laufe der Jahre hat die Elle Decor-Installation im Palazzo Bovara erforscht, wie wir das Zuhause bewohnen. Wie spiegelt sich dieses Thema in der diesjährigen Installation wider?


Ich wollte einfach meine eigene Vorstellung von einer Reise zurückbringen, eine Geschichte von Klarheit, Reinheit und visueller Rationalität. Und ich habe versucht, in der Welt der Wahrnehmung alles abzukühlen und Dekoration so weit wie möglich zu reduzieren. Ich habe versucht, mich diesem Thema über meine Welt zu nähern – eine Welt, die manchmal aus Stille, manchmal aus Leere, manchmal aus Abwesenheit besteht.

Was ist das Konzept hinter Ihrer Installation im Palazzo Bovara?


Das Projekt heißt Sensory Landscape und entspringt einer doppelten Spannung: der Vorstellung, dass die Sinne, die mehr als fünf sein können, Instrumente der Erkenntnis sind, verbunden mit dem Wunsch, zu subtrahieren, zu reduzieren und das Erlebnis des Lebens auf eine Dimension zu bringen, die klarer, schlanker und fast radikal ist. Die Architektur und Dekorationen des Palazzo Bovara wurden entfernt. Das Design entwickelt sich als ein offener Austausch statt einer Abfolge von Räumen, ein Katalog von Erlebnissen, unaufgeregt und kompromisslos. Jeder Raum ist eine Aussage: Das Essen ist Essen, das Wasser ist Wasser, die Bücher sind Bücher, die Kunst ist Kunst. Nichts ist vermittelt, nichts ist „dekoriert“, um akzeptabler zu sein. Alles ist genau das, was es ist.

Was ist das Konzept für die Küche?


Ich habe die Küche immer als einen sehr technischen Raum betrachtet, ein Labor, das Zutaten in Speisen verwandelt. Die Küche im Palazzo Bovara musste also ein Labor sein – natürlich mit der Wärme eines häuslichen Labors, aber dennoch ein Labor. Die V-ZUG-Geräte sind eines der Hauptelemente in der Küche. Diese Produkte sind nicht einfach Maschinen, sondern technologische Präsenz, die Zutaten durch Kälte, Kochen und eine ganze Reihe weiterer Elemente in Lebensmittel verwandelt. Ich arbeitete auf einer großen Insel – die Insel ist für mich eine primäre Idee, eine Architektur mitten in so vielen Essenskonzepten: Mitten im Chaos der Küche hält sie einen architektonisch auf. Der/die Koch:in arbeitet rund um die Kochinsel, was meine Geste als Architekt:in ist.

Und das Restaurant?


Das Restaurant zeigt und erweitert das Ritual des Essens. Ich wollte, dass es eine Bühne für Essen ist – etwas Rohes, sogar. Ein Restaurant, das auf Dekoration verzichtet: Glastische, sehr kaltes Neonlicht, reflektierende Wände, ein Porro-Stück, das ein Glaskäfig ist, vollgepackt mit Glas. Ich wollte mich von der klassischen, sanften Vorstellung der Dekoration rund um Lebensmittel lösen. Hier spricht das Essen für sich, verstärkt durch die Spiegel. Everything becomes infinite, forcing you to confront food in an almost monastic way.

Wie haben Sie die V-ZUG Geräte in die beiden Räume integriert?


Eigentlich habe ich die Geräte nicht integriert – sie sind die Protagonisten. Zum Beispiel sind sie in einem der beiden Räume in einer leuchtenden Wand montiert. Sie sind wie Gemälde, technologische Kunstwerke. Ich habe sie auf diese Weise behandelt, wegen der Schönheit ihres Designs, ihrer High-Tech-Qualität und ihrer Exzellenz als Maschinen. Ich hatte keinen Bedarf an Nachahmung oder Verstellung.

Sie haben im Laufe Ihrer Karriere an vielen Designwochen teilgenommen und diese miterlebt. Wie hat sich dieses Ereignis im Laufe der Zeit verändert? Was stellt es heute dar?


Es hat sich verbessert, es hat mehr Mut gewonnen, es ist weniger naiv. Es gibt natürlich einen größeren Aufwand aus jeder Perspektive – in der Qualität, im Niveau der Präsentation, im Vermeiden der Trivialisierung des Gezeigten. Und dann hat es sichtbar eine Sprache entwickelt, die zur Welt spricht. Da sehe ich den wirklichen Unterschied…

Ihr Studio wird dieses Jahr 40 Jahre alt. Was bedeutet dieses Jubiläum für Sie?


Als ich anfing, waren es ich, meine Partnerin Nicoletta Canesi und ein Küchentisch. Heute befinde ich mich mehr oder weniger in der gleichen Situation – nur mit ein paar mehr Küchentischen.